Cindy Sherman en el MoMA

Regreso de Nyc y traigo buenas noticias, sí, Manhattan sigue siendo lo más aunque después de conocer Williamsburg de la mano de un “veterano”, nada vuelve a ser lo mismo. Soy una afortunada, tengo guías de primera en ambas partes de la ciudad.
Comienzo por la “city”. Lo mejor que sigue ofreciendo son los museos. Imposible competir, esta vez mi espíritu intelectual ha estado vago, mis prioridades han sido los amigos pero ¿cómo decir que no a dos expos de las imprescindibles? Cindy Sherman en el MoMA y Francesca Woodman en el Guggenheim. 

La retrospectiva de Cindy Sherman (1954, Nueva Jersey) en el MoMA es el acontecimiento de la temporada. Sherman es una de las artistas más influyentes dentro del arte contemporáneo. Es conocida por sus autorretratos conceptuales a través de los cuales investiga la identidad contemporánea y la naturaleza de la representación, basándose en imágenes almacenadas que obtenemos de la TV, cine, revistas, internet y como no, de la historia del arte. 

Lo más característico de su obra es que ella es su propia modelo, no por egocentrismo sino como una forma directa de experimentación con su cuerpo e identidad, quizá atenuado por la inseguridad propia del principio de su carrera. Leí en algún lado que solo cuando estuvo segura, su trabajo salió a la luz. El resultado es divertido pero muy inquietante al mismo tiempo.

Sherman asume múltiples roles, el de fotógrafa, modelo, maquilladora, peluquera, estilista, hasta crear toda una colección de personajes diferentes. 

La exposición comienza con la serie que le dio el reconocimiento artístico y con la que inicia su trayectoria, Untitled Stills (1977-1980), en la que cambia su ropa y aspecto para dar a las fotografías apariencia cinematográfica usando estética y planos propios del Cine negro, en blanco y negro. Para ello adopta el rol femenino propio de los 50 y 60 que Hollywood fabricó en aquella época.

 

Admirando el conjunto de su obra, no tienes más remedio que cuestionarte el propósito de la artista. ¿Qué pretende Sherman? Creo que ante todo pone sobre la mesa cuáles son sus obsesiones que además comparte con la sociedad moderna, la edad, juventud y status social.  La artista enfoca estos temas mezclando artificio y ficción con cine y performance. Lo grotesco, lo feo, se disfraza de carnaval. La cuestión de género y clase social siempre están presentes. 

Jamás titula sus fotografías, solo las enumera y esto hace que toda la atención quede en el mensaje que hay detrás de la imagen.  El resultado de su obra es de una modernidad absoluta porque lo que retrata realmente es el complicado mundo de la imagen. No profundiza en el interior sino en los estereotipos que tenemos anclados en nuestro imaginario cultural. ¿Hay algo más actual que la preocupación que compartimos todos mientras andamos como locos construyendo una identidad perfecta? Aquella de la que sentirnos orgullosos y la que realmente deseamos mostrar a los demás en las redes sociales.

MoMA

Siguiendo con el MoMA, paso a colgar algunas obras que directamente me apetece destacar:

Un par de cuadros inquietantes de belleza arrebatadora. Éste en concreto procede de, nada más y nada menos, 1888.

Masks Confronting Death, de James Ensor (Belga, 1860-1949).

Este artista fue una influencia muy importante en los movimientos vanguardistas de comienzo del siglo XX, en concreto en el expresionismo y surrealismo, y en artistas como Klee y Emil Nolde. Su obra, difícil de encontrar en museos españoles, es especialmente original. Sus primeras escenas realistas de estilo sombrío fueron variando con el tiempo hasta éstas imágenes de paleta clara y temas extraños.
Un grupo de enmascarados confrontan la figura de la muerte, que es la que se sitúa en el centro, cubierta de blanco, color que impregna toda la imagen. Las máscaras son un elemento muy presente en sus cuadros, probablemente inspiradas en las que vendía su madre en la tienda de regalos durante el carnaval anual de Ostende.

The Storm (1893),

es de las que impresionan a pesar de su tamaño medio. Edvard Munch (noruego, 1863 - 1944) contagió a sus obras de una profunda angustia que a su vez es influencia común al resto del expresionismo alemán de comienzos del siglo XX. Según sus propias palabras, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas.
Munch fue obviamente un hombre de infancia trágica por la presencia de la enfermedad, muerte de su madre y hermana y la obsesión religiosa de su padre, lo que originó una personalidad conflictiva y en algunos casos desequilibrada que logró crear un estilo pictórico muy personal mediante la potenciación de la fuerza expresiva de la línea sinuosa, formas esquemáticas y un uso simbólico del color, por lo que se le clasificó como pintor simbolista.
Esta obra fue pintada mientras el artista pasaba una temporada en un pequeño pueblo costero de Noruega frecuentado por él y otros artistas. Puede que fuera inspirado por una tormenta que él mismo presenció ése verano. Vemos cómo el azul del cielo y el agua marcan la tonalidad de la tela. Una mujer se lleva las manos a la cabeza mientras las demás mujeres quedan apartadas, potenciando así su gesto de angustia. Las ventanas de la casa (amarillas y brillantes), invaden el edificio como una especie de presencia humana mientras se sugiere un mundo vibrante, en el cual las mujeres quedan excluidas.

Y maravilloso también es el famosísimo The Dream (1910), de Henri Julien Félix Rousseau o más conocido como "El aduanero Rousseau" (1844 - París, 1910).
Rousseau era padre de familia y trabajaba humildemente, como su apodo muy bien indica, de funcionario. Concretamente como agente de aduanas de segunda clase en la Oficina de Recaudación de Arbitrios de París. Y como viendo siendo habitual en muchos artistas, comenzó a pintar en serio con poco más de cuarenta años, hasta que a los 49 se retiró de su puesto en la administración para dedicarse de lleno a la pintura. Este detalle, junto con que dedicara mucho tiempo a cada una de sus obras y además, con que fuera prácticamente autodidacta, no fueron obstáculos suficientes para impedir que se convirtiera en uno de los máximos representantes del arte naïf.
Siempre me resultó llamativo que la jungla fuera uno de sus motivos predilectos a pesar de no haber visitado una jamás. Su fuente de información se hallaba en el Zoo de París, en láminas de exposiciones sobre colonias, libros o el Museo de Historia Natural. Le bastaba con entrar en una sala del Jardín Botánico, sentir calor tropical propio de un invernadero y verse rodeado de plantas exóticas para disparar su imaginación. Según sus propias palabras, “le parecía como entrar en un sueño”, y esto es lo que trató de reflejar en su obra, con una inocencia casi infantil.
A pesar de sus intentos "realistas", su obra destaca por el tono poético y exótico, creando un estilo naíf, original hasta el momento. Parte del encanto está en su escasa formación académica, junto con el protagonismo de la fantasía y un colorido complejo.
Es difícil de encasillar en los movimientos artísticos que se están desarrollando en este momento. Sin embargo, en 1866 fue invitado por los antiacademicistas para participar en la exposición del Salon des Indépendants, dónde fue elogiado por sus compañeros como Gauguin, Seurat, Valloton, y el crítico Wilhelm Uhde. Poco a poco, se va haciendo un hueco entre los pintores vanguardistas como Derain y Matisse, e incluso desarrolla grandes amistades con Delaunay (Robert), Guillaume Apollinaire y Picasso.

Gare Montparnasse (the melancholy of departure), 1914,

es otra obra más del gran Giorgio de Chirico (Grecia, 1888 – Roma, 1978) de obligado momento de deleite y disfrute. Por suerte, en este museo hay tanto “cuadro famoso” que no son muchos los que reparan en esta maravilla y ése momento de silencio es posible.
De Chirico fue el fundador del movimiento artístico de la escuela metafísica. Sus paisajes urbanos evocan ambientes sombríos y abrumadores inspirados en ciudades mediterráneas.
Fue Guillaume Apollinaire quien le introdujo en el grupo de artistas más destacados de la época, que rápidamente supieron admirar su obra, hasta convertirle en una de las mayores influencias del movimiento surrealista. Max Ernst, Dalí, Magritte,... fueron grandes admiradores y seguidores, entre otros.
Hace poco comentaba en este blog la exposición de Tanguy en L&M Arts (Nyc) y su decisión de convertirse en artista tras ver una obra de Chirico a pesar de no tener ninguna formación previa. Bueno, aquí esta la causa...

Christina´s world, (1948) de Andrew Wyeth (1917 – 2009).

De estilo realista mágico, éste pintor conocido en Estados Unidos como el "Pintor del Pueblo" por su popularidad entre el público americano, sentía predilección por las escenas del día a día protagonizadas por la tierra y los habitantes de su ciudad natal Chadds Ford (Pensilvania) y de su casa de verano en Cuching (Maine), rodeándolas de un misterio poético. La imagen, inquietante y detallista, centra la atención en la espiritualidad de una mujer, su vecina en Maine y enferma de polio, que concede parte del protagonismo a una tierra árida y misteriosa.

Number 1A, 1948, Pollock (Moma, Nyc, 2010)

No tengo más remedio que mostrar esta foto que me pareció muy divertida. Una camiseta de estilo “Custo” se diluye en una obra de Jackson Pollock (1912 - 1956), referente estadounidense que entre los años 40 y 60, crea una dimensión precursora del nacimiento del “Expresionismo Abstracto”.
Este estilo surge a través de una representación dramática del subconsciente expresada de forma autómata (automatismo). Además se ve condicionado por la búsqueda de emoción provocada entre un público expectante. A ésta técnica se la llamará “Action painting”, acción que consiste en poner el lienzo de grandes dimensiones a ras del suelo y con pinceles pintar de forma rígida y contundente, con movimientos rápidos y autómatas. El secreto de la obra consiste en la movilidad del artista a la hora de su creación, así como el “ordenado caos” que se crea con toda la acción. Otras técnicas creadas por Pollock fueron el “dripping”, que consistía en perforar por la parte inferior los botes de pintura para una aplicación de goteo mediante movimientos bruscos y cambiantes. Y “all-over” que se basa en no dejar espacio alguno sin cubrir, creando una superficie completa que elimina la limitación de marcos.
Todo esto explica lo que Pollock trata de plasmas en la tela «no una imagen, sino un hecho, una acción» (según sus propias palabras).

Untitled (1967). Donald Judd, Moma (Nyc, 2010)

Y un par de obras de las de difícil comprensión, Donald Judd (Missouri, 1928 - Nueva York, 1994). La base de su trabajo está en el espacio y la realidad. Judd comenzó como pintor pero evolucionó hasta esculpir objetos independientes en tres dimensiones sobre suelo o pared, de formas sencillas y repetidas muchas veces, que exploran el espacio. A partir de 1963, Judd comenzó a usar colores más llamativos, así como diferentes materiales como el metal, el contrachapado, y el plexiglás. Aunque es frecuente encontrar a éste artista incluido en el grupo minimalista, él se opuso a aceptar el término como identificativo de su obra.

Stack, 1967. Donald Judd, Moma (Nyc, 2010)

Y por fin, llego a la exposición de Henri Émile Benoît Matisse (1869 - 1954): Radical Invention (1913 - 1917). La única foto que me fue posible “robar” fue esta joyita:

Las tres bañistas (1879-82), de Cézanne (francés, 1839-1906).

Matisse compró esta obra en 1899 y será la fuente de inspiración para el uso del color y construcción de composiciones de sus propias bañistas. En 1936, cuando donó esta obra al Museé du Petit Palace de París, escribió; “Me ha mantenido moralmente en los momentos críticos de mi aventura como artista; he dibujado desde él, mi fe y mi perseverancia”.
La muestra comienza recordando la importancia de la influencia de Cézanne en este artista en concreto, así como en toda su generación. Las obras reunidas parten de la época en que Matisse vuelve de Marruecos en 1913 hasta su partida a Niza en 1917. En estos años es cuando el artista produce su obra más experimental y enigmática. Pinturas que son abstractas y de detalle rigurosamente descriptivo, geométrico y dominadas por sombras en negro y gris. Son trabajos que hasta la fecha fueron tratados sin la importancia merecida y que se han explicado como respuestas al Cubismo o a la I Guerra Mundial.

Lo dicho, para bien o para mal, todas las fotos son mías (S.R.).

MoMA

Hall del Moma con cuadro de Takashi Murakama al fondo

Visitar el MoMa era un momento al que tenía pavor. De hecho lo he ido retrasando (sufrí un trauma visitando el Louvre hace años) hasta que por fin llegó el momento en el que me sentí preparada... todo esto se debe a que la entrada cuesta 20 dólares y la opción gratuita es su tarde de viernes de libre acceso, que ya de por sí es famosa por la cantidad de gente que acude al museo. Esto se agrava por la exposición del momento: Matisse. Por lo que me armé de valor y paciencia, llegué 20 minutos antes (la tarde gratis comienza a las 16h.) y a la fila que me puse.
¡Pero cómo pude olvidar el pequeño detalle de que los americanos son auténticos profesionales y tienen un control absoluto a la hora de organizar el caos! Inocente de mí, la cola que para mi asombro daba la vuelta, daba de la vuelta de nuevo y volvía a dar la vuelta al bloque entero, duró una media de 20 minutos. Lo que parecía que iba a durar una eternidad, ¡¡duró 20 minutos!! En perfecto orden fuimos entrando todos, sin que nadie intentara hacerse el listo colándose y efectivamente, a las 16:00 me encontraba cruzando el acceso a un interior, eso sí, repletito de gente. Este tema, la saturación de espectadores visitando un museo de éstas características es otra cuestión que puede desarrollarse bastante, sin embargo no entraré ahora. Pero por el alboroto y escándalo, me pregunto siempre en ésos momentos, ¿cuántos estarán aquí por interés y cuántos por alguna extraña obligación turística...?
En cualquier caso, la visita siempre merece la pena.

Lo que más me viene llamando la atención de los museos que últimamente he visitado es, la cada vez más notable y extensa presencia de mujeres artistas entre las obras representadas. Ya era hora.

Nada más entrar, te encuentras con un enorme mural de la artista Afroamericana, Kara Walker (1969) de reciente adquisión por parte del museo. Esta artista californiana que ya me llamó la atención en el Brooklyn Museum del que todavía no he hablado (uf, se me acumula el trabajo) explora a través de su obra la raza, el género, la sexualidad, la violencia e identidad. Es muy conocida por sus murales de siluetas recostadas en negro sobre fondo blanco, con los que trata de crear un puente entre la identidad folclórica nacida a partir de épocas de esclavitud y los problemas de género de las mujeres Afroamericanas en particular. Imagen de aparente inocencia pero cargada de poderosa denuncia social ante la cuál, curiosamente, me encontré con un grupo de espectadores (españoles, de hecho, lo que por otro lado no significa nada en particular), que se reían de lo tonto y simple que les parecía este inocente dibujillo. Cómo respuesta a su atrevido comportamiento, tan sólo el título del mural: Gone: An Historical Romance of a Civil War as It Occurred b´tween the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart (1994).

Kara Walker (Gone: An Historical Romance of a Civil War as It Occurred b´tween the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart (1994). Moma (Nyc), 2010.

Debido al reciente fallecimiento de Louise Caroline Bourgeois (París, 1911- Nueva York, 31 de mayo de 2010), las distintas obras de la artista se reparten en muchas de las salas del museo.
En concreto me gustó mucho esta (Ode à l´oubli, 2004).

Ode à l´oubli, 2004. Bourgeois, Moma (Nyc, 2010)

La Bourgeois, hizo libros ilustrados, un formato que al parecer coleccionaba desde finales de los años 40, incorporando sus propios textos y los de otros autores. Estos volúmenes editados en telas están creados a partir de un modelo que hizo en 2002 usando tejidos que guardó durante años, incluyendo trozos de pañuelos, toallas de su ajuar con sus iniciales bordadas, etc. Resulta que la artista pasó su infancia rodeada de telas porque su familia poseía un negocio de restauración de tapices, y usó este material durante años en esculturas e incluso como soporte para dibujos e impresiones.

Ode à l´oubli, 2004. Bourgeois, Moma (Nyc, 2010)

Bourgeois estudió matemáticas en La Sorbona pero sin embargo, acabó abriendo una vía muy vanguardista en el arte contemporáneo a través de sus esculturas, muchas de ellas de tamaños monumentales y casi todas, construcciones oníricas.

Spiral woman (1951-1952) and figure (1954). Bourgeois, Moma (Nyc, 2010)

Quarantania I (1947-1953, reassembled in 1981). Bourgeois, Moma (Nyc, 2010)

Siguiendo con el recorrido, me encuentro con las bellas esculturas de Louise Nevelson (Kiev, 1899 - Nueva York, 1988) y su Hanging Column from Dawn´s Wedding Feast (1959). Son dos esculturas que formaron parte de un conjunto que se completaba con una habitación que creó para el Moma en la exposición de 1959-60, 16 Americans.

Moma (Nyc, 2010)

Cada uno de los elementos representa un componente propio de boda. La artista que en varias ocasiones mostró su aversión por el matrimonio, pinta las piezas simbólicamente del mismo color, blanco, marcando así el tema nupcial. Toda esta obra me resulta muy especial por la experiencia personal de la artista, ya que se la conoce con el apellido de casada. En 1929 comenzó a estudiar en la Art´s Student´s League de Nyc, decisión que no gustó a su marido, y que a la postre fue una de las causas de su separación.

Hanging Column from Dawn´s Wedding Feast (1959). Louise Nevelson (Moma, Nyc, 2010).

A pesar del deseo de la artista de que todo el conjunto permaneciera unido, parece que ha acabado dividiéndose por museos. Lástima.

Hanging Column from Dawn´s Wedding Feast (1959). Louise Nevelson (Moma, Nyc, 2010).

Pero para reclamar una presencia cada vez más destacada de la mujer en el mundo del arte, siempre nos quedarán Las Guerrilla Girls. Este colectivo de artistas feministas nació en Nueva York en 1984 y se denominaron así por usar tácticas de guerrilla para promocionar la presencia de la mujer en el arte.



Comenzaron pegando pósters por la calles de Nyc, denunciando el desequilibrio de género y raza de los artistas representados en galerías y museos. Aún en día, a pesar de su desaparición, seguimos desconociendo quienes fueron los miembros del grupo originario o el nº de participantes porque en sus apariciones siempre llevaban máscara de gorila con el propósito de guardar su verdadera identidad, que según ellas aseguraban, mantenían oculta incluso a sus amigos y familiares.


Las Guerrilla Girls no contaban normalmente con el apoyo de la crítica especializada pero a pesar de todo, ahí están, presentes en grandes museos como el Moma o la Tate Modern de Londres, haciendo preguntas todavía molestas a un público que en general parece seguir sorprendiéndose a pesar de los 26 años transcurridos...

Selected posters from the portofolio Guerrilla Girls Talk Back: The First Five Years, 1985-90. Moma (Nyc, 2010)

Por último en este apartado de féminas artistas, un cuadro que me gusta especialmente, de Lee Lozano (americana, 1930 - 1999), artista de la que ya hablé en su momento en este blog.

Untitle (sin título), 1963. Lee Lozano, Moma (Nyc, 2010)

Todas las fotos han sido tomadas por mí, como siempre (S.R.)