Fases del Dibujo Infantil

Hoy voy a escribir sobre Georges-Henri Luquet (Francia, 1876-1965) y su teoría del dibujo infantil. Últimamente le doy vueltas a esto, quizá por mi predilección por el Art Brut o por el taller en el que participé el mes pasado en la Casa Encendida con Antonio Ballester (http://whatdoidraw.blogspot.com/2011/10/expo-en-la-casa-encendida.html). Ayer además asistí a una charla sobre Visual Thinking que impartía Rafael Vivas en el museo ABC, donde se abordaba de forma indirecta el dibujo infantil y la utilidad de rescatar dicha esencia para su uso en el diseño y la ilustración.
Luquet fue un catedrático de filosofía que además tenía una hija. Este detalle sin aparente importancia es fundamental en esta historia porque la pequeña Simmone, como todas las niñas de su edad, dibujaba y su padre observaba atentamente lo que hacía. Tanto, que decidió estudiar algo en lo que hasta el momento nadie había reparado, el realismo y la imitación del dibujo infantil, que según él lo definen. Porque los niños siempre dibujan “algo” real y que de alguna forma conocen.
Según el filósofo se establecen cuatro fases a lo largo de la infancia:

Primera fase: realismo fortuito

El niño de 2 años comienza a hacer sus primeros garabatos, éstos no parten de una necesidad artística sino de una actividad motora (lo sé, todos pensabais que vuestros retoños eran pequeños Picassos…), lo que ocurre es que el niño reproduce movimientos que ha visto y que además dejan una huella (increíble, el hombre y su eterna necesidad de dejar huella comienza ya a tan temprana edad). Resulta divertido y fascinante el poder experimentar con este nuevo descubrimiento. A esto se une el reto de relacionar imágenes mentales con imágenes dibujadas que se traducen en una comprensión de la realidad. Además, para reproducir la realidad y llevar a cabo su dibujo es necesario un cierto control del movimiento. A todo esto hay que añadir el aspecto afectivo que es lo se refleja en los temas que elige cada uno en su representación. En definitiva, toda una liberación porque además descubren que es un campo en el que tienen, por fin, total libertad ajena a la influencia de un montón de adultos siempre pendientes de él.
Ante esto, cuando preguntas al pequeño qué es lo que ha dibujado su respuesta es que nada o que sólo es un dibujo. Pero de repente descubre el parecido con algo (por ejemplo una casa) y a partir de ése momento, decide muy contento que lo que ha dibujado es una casa.

Segunda fase: realismo frustrado

El niño de 3 a 4 años dibuja con toda su buena intención un barco pero encuentra obstáculos que le impiden lograr dibujar un barco tal y cómo debería. No logra controlar las proporciones porque hay una incapacidad de síntesis. Por suerte, le da bastante igual todo esto y sigue disfrutando como un loco con sus rotus de colores y una fantasía desbocada.

Tercera etapa: realismo intelectual

El niño entre 4 y 8 años ya no dibuja lo que ve, dibuja lo que sabe. De ahí que sus dibujos sean un tanto surrealistas, hay transparencias que dejan adivinar objetos que están ocultos como un huevo que deja ver al pollito que lleva dentro o proyectan objetos sobre el suelo.

Cuarta etapa: realismo visual

A partir de los 8 o 9, la realidad ya es tal y como la está viendo, supongo que es el fin de la inocencia y por tanto de la “gracia” del dibujo. Con esta etapa llega la tragedia y el gran misterio de porqué dejamos de dibujar. Aparece un agotamiento en la actividad hasta desaparecer en la mayoría de los casos.
Para el adolescente, el acto de dibujar no tiene el mismo significado que para un niño, la importancia del valor estético reemplaza a la inocencia y de repente, ir contra el realismo convencional parece un delito. Los pocos que siguen dibujando lo harán de forma oculta porque ahora, dibujar es demasiado personal e íntimo.

La razón de porqué ocurre esto sigue siendo un misterio. Puede que la enseñanza no haga mucho por favorecer la expresión individual, además ser adolescente es suficientemente complicado y doloroso como para estar preocupado por desarrollar el lado artístico. Algunos retoman el dibujo en algún punto de su vida pero muchos otros no lo harán jamás porque curiosamente hay un pánico irracional a dibujar “mal“. Como si después de años de teoría del arte aún no supiéramos que arte no es imitación, ¿cómo se puede dibujar mal un sentimiento o una necesidad?

James Castle: mostrar y almacenar

¿Puede un analfabeto escribir libros? ¿Puede alguien sin formación llegar a ser artista? ¿Puede un Museo Nacional de Arte Contemporáneo exponer a un anónimo del arte? La respuesta a todo se llama James Castle.

Sin título. James Castle.

Nació (1899 – 1977) y vivió en una pequeña comunidad rural de Idaho (USA), era sordo, analfabeto y no se tiene constancia de que usara ningún tipo de lenguaje de signos para comunicarse. Jamás recibió formación, ni influencia de ninguna corriente artística. Se trata en definitiva de un outsider, también conocido como género Art Brut (arte bruto / marginal), aunque yo prefiero llamar a éstos artistas excepcionales, forasteros. Para mí, simbolizan un arte puro y libre. Prueban la necesidad más básica del ser humano en su búsqueda de expresión y sensibilidad a través del arte.

Sin título. Construcción. James Castle.

En los 90 su obra comienza a aparecer en circuitos artísticos pero es el museo de Arte de Filadelfia (USA) quién organiza una retrospectiva de su trabajo en 2008-09 y ahora el Reina Sofía quién le cede la palabra dedicándole un espacio.
Este autodidacta, construía superficies para dibujar, creaba libros ficticios, álbumes de familias anónimas. Obtenía sus soportes y elementos de dibujo a través del reciclaje (característica común a otros artistas marginales), conseguía tinta mezclando hollín con saliva, cosía sus construcciones de cartón y producía sus propios libros de textos simulados e imaginarios. Materiales inventados para crear un mundo paralelo y particular.

Libros de James Castle.

Los temas y motivos que elegía están basados en la repetición de paisajes, interiores, prendas de vestir, animales y personitas de extrañas formaciones. Pero no era una copia inocente de la realidad sino que en algunos casos incluía elementos fantásticos como reflejo de recuerdos de infancia o estados de ánimos propios de un momento concreto de su vida.

Sin título. Construcción. James Castle.

El título de la exposición hace referencia a un método propio de conservación y almacenaje de la obra. Agrupaba todos sus trabajos y los empaquetaba en cajas hechas por él mismo. El conjunto constituía además una obra al completo. Luego lo escondía en edificios en desuso como un gallinero abandonado, donde a veces permitía que gente muy cercana visitara su pequeño mundo aunque no mostraba toda su obra, sólo los dibujos.

Paquetes hechos por James Castle.

Dibujo de James Castle.

Lo que el Reina Sofía nos acerca es el producto de toda una vida. Una entrega total y sincera. El descubrimiento de una vía propia de comunicación con el resto y sobretodo, ésa búsqueda que compartimos todos de un lugar en el que encajar.

Construcción. James Castle.

Martín Ramírez

Veamos, ¿qué ocurre cuando un hombre de repente se queda pobre, indigente, desempleado e incomunicado por ser extranjero? Como broche final, le diagnosticamos una enfermedad mental y le encerramos en un hospital psiquiátrico donde pasará el resto de su vida.
No, no me lo estoy inventando. Este hombre fue Martín Ramírez (1895-1963) y aunque se quedó en un rincón durante 15 años, encontró su propia vía de comunicación y escape. A otros individuos de características similares les ocurre lo mismo. Son autodidactas, con una necesidad artística innata en ellos, que en momentos de caos sacan a la superficie. Encuentran formas de expresión totalmente originales que sin embargo no sabemos cómo clasificar. Viven ajenos a movimientos intelectuales y artísticos de la cultura oficial y carecen de formación académica.

Y es que ya dijo Dubuffet que todos llevamos dentro un potencial creativo que las normas sociales anulan. Para este grupo de “artistas” que sorprenden al mundo, Dubuffet acuñó en 1945 un término: Art Brut. Dentro de esta categoría están incluidas todas esas manifestaciones artísticas originadas especialmente por pacientes de hospitales psiquiátricos.
Más tarde surgió el término Outsider Art, no tan especifico y que engloba a artistas autodidactas o de estilo naif. Todos ellos responden a motivaciones que nacen de sus necesidades más íntimas y suele ir acompañado del uso de materiales y técnicas muy originales que inventan ellos mismos.

El estilo de Martín Ramírez está basado en estructuras lineales flexibles. Como resultado surgen espacios complejos con claras referencias a sus recuerdos más íntimos de México y Estados Unidos. No obstante hay varios temas que son recurrentes: el jinete a lomos del caballo -figura enmarcada siempre de forma teatral a modo de escenario-, los trenes y railes, que recuerdan el trabajo por el que tuvo que abandonar a su familia en Jalisco, animales que posiblemente tuvo en su rancho, vírgenes que confirman su formación católica…
Desarrolla juegos de color a base de una elegante y sutil paleta de creación propia, inventa hábiles técnicas de producción de materiales y varía la escala en los más de 450 dibujos dando infinidad de versiones de los mismos temas.

Nunca fue entrevistado en vida sobre su trabajo, ni mucho menos dejó escritos sobre ello. Sin embargo contó desde el principio con el apoyo de Tarmo Pasto - profesor de arte y psicología en la Universidad del Estado de Sacramento - que coleccionó sus obras y organizó exposiciones. Ya en la década de los 70, el pintor Jim Nutt descubrió su obra cuando Martín ya había fallecido y junto con la galerista Phyllis Kind adquirieron gran parte de ella, dedicándose a documentarla y exponerla. Pero no será hasta el 2007 y gracias al American Folk Art Museum de Nueva York cuando se reconozca oficialmente a este artista como uno de los maestros autodidactas más importantes del siglo XX.
El Museo Reina Sofía nos acerca a esta obra aparentemente inocente e inofensiva que esconde la verdadera lucha por la supervivencia del ser humano.

(Tarmo Pasto con Martín Ramírez en el DeWitt State Hospital)